Испанский художник автор картины мадонна с младенцем, Санчес Котан, Хуан. Картины с названиями и описанием. Художник 16 века
Сюжет этой картины, по признанию самого Дали, был навеян художнику в жаркий летний день, когда он увидел, как мягкий сыр камамбер начинает плавиться от жары. Привет передала. Точная дата написания картины неизвестна. Уголок усадьбы приобрел в его пейзаже совершенно новый облик, наполнившись задушевностью и теплотой.
Натюрморт, написанный Юлием Клевером, интересен умелой композицией, особой материальностью изображаемых предметов и самим их выбором. Большое место в творчестве художников-передвижников занимают произведения на исторические сюжеты. В них они видят достойный пример для воспитания как это было принято в академическом искусстве , учат зрителя рассуждать, проводят параллели с современной действительностью. В основу произведения Клавдия Васильевича Лебедева «Послы к боярину Стрешневу» легла сцена из жизни русского государя Алексея Михайловича, отца будущего императора Петра I.
Признанный мастер исторического жанра Василий Иванович Суриков представлен двумя небольшими этюдами к знаменитому полотну «Покорение Сибири Ермаком». Их можно рассматривать не просто как подготовительный материал, но и как попытку увидеть заинтересованным взглядом иные лица и характеры.
Интерес к жизни других народов, страсть к путешествиям нашли отражение в пластических образах, характеризующихся любовью к передаче деталей и тщательной, почти ювелирной их проработкой. Демократическое обновление русского общества в х годах затрагивает и портретную живопись. Человек, изображенный во всей своей психологической сложности, оценивается еще и по его роли в обществе. Выполненный Ильей Ефимовичем Репиным портрет Марии Клавдиевны Тенишевой, отличается яркой убедительностью внешней характеристики модели.
На талант княгини — певицы и музыканта — в портрете указывают ноты в ее руке. Княгиня изображена в энергичном повороте, со взглядом, устремленном на зрителя.
Портрет Марии Тенишевой в исполнении Валентина Александровича Серова — пример перехода от старых принципов аналитического реализма к новейшим системам художественного мышления. Ему удается дать лаконичную психологическую характеристику модели, подчеркнув неоднозначность богато одаренной артистической натуры княгини. Русская художественная культура этого периода оказалась насыщенной крупнейшими явлениями. Деятельность художников представляет собой удивительно многоликую картину, где соседствуют мастера различных творческих ориентаций и стилевых направлений.
В восьмидесятые годы XIX века в жизнь вступило поколение живописцев, желающих не только отображать существующую действительность, но и преподносить ее в смелой, неожиданной форме, показать видимое через свое восприятие.
Быстро менялся мир, изменялись вкусы, мнения, взгляды. На фоне исторических взрывов, на многие годы определивших судьбу России, происходит возникновение новых творческих систем.
Одним из первых был образован «Союз русских художников», представителем которого является «русский импрессионист» Константин Коровин. Портрет Марии Клавдиевны Тенишевой написан им на пленэре — легко и энергично — в манере, свойственной французским импрессионистам.
Это скорее впечатление от натуры, а не портрет в привычном понимании. В облике Тенишевой — настроение летнего дня, прозрачность воздуха, сочность зелени.
Импульсивность характера, энергичность натуры Коровина проявились и в многочисленных эскизах к театральным постановкам.
Идея автономии искусства, широкая культурно-просветительская деятельность укрепляли веру в неисчерпаемые возможности художественного творчества.
Впервые звучит лозунг: «Искусство для искусства». Представленные произведения ведущих мастеров этого объединения: Александра Бенуа, Константина Сомова, Льва Бакста, Александра Головина и других — относятся ко времени становления и активной деятельности «Мира искусства». Александр Бенуа — вдохновитель и теоретик мирискусников — призывал во всем искать красоту и писать ее. Бенуа создал целую серию, посвященную Версалю. Так, «Прогулка короля» удивляет изяществом, изысканностью формы и колорита.
Переливы жемчужного цвета, причудливые изломы тонких ветвей создают чарующий, таинственный мир. Имя Александра Бенуа часто упоминается в связи с деятельностью Тенишевой. Он подбирал и покупал для нее произведения молодых художников, помогал в составлении каталога ее коллекции.
Константин Сомов — яркий представитель русского модерна и символизма — как и Бенуа, воскрешает давно ушедший мир галантных придворных балов и маскарадов. Современность столь романтически и необычно синтезируется в них с ретроспекциями давно минувших дней, что дамы в картине «Отдых в лесу» кажутся элегантными выходцами из иного, потустороннего мира. Произведение отличается внутренней мистичностью, призрачностью, одухотворённой утончённостью. Свой неповторимый путь в искусстве был у Михаила Врубеля.
Он представлен керамической скульптурной работой «Весна», навеянной оперой Н. Римского-Корсакова «Снегурочка». В облике сказочной Весны угадываются портретные черты жены художника Надежды Ивановны Забелы-Врубель. Художник создает скульптуру, понимая материал как цветной камень, а не как глиняный фон для росписи красками. По многогранности таланта, разнообразию и яркости его проявлений с Михаилом Врубелем и Константином Коровиным можно сравнить Александра Головина.
Художник увлечен тонкой разработкой колорита, дающего бесконечное количество оттенков. В «Портрете дамы» — это вариации белого цвета, который не сливается в однообразное пятно, а имеет богатейшую палитру тонких цветовых переходов.
Творчество Николая Константиновича Рериха — явление исключительное в истории русского и мирового искусства. Его полотна притягательны своеобразием тем и сюжетов, их поэтичностью, глубоким символизмом. Через знак, символ мастер философски осмысливает мир, бытие человека. Имя Рериха самым тесным образом связано со Смоленском и с художественным центром в Талашкине.
Он много ездил по России, бывал в соборах, монастырях и написал целую серию архитектурных пейзажей, таких, как «Псковский погост». Его называли последним из пленэристов России. Но, освоив лучшие достижения импрессионизма, он нашел свой художественный стиль в искусстве — неповторимый и своеобразный. Уголок усадьбы приобрел в его пейзаже совершенно новый облик, наполнившись задушевностью и теплотой.
Богатое живописное наследие оставил Исаак Израилевич Бродский. Одаренный художник быстро определился в искусстве. В многочисленных картинах преимущественно пейзажных он с известной манерностью использовал некоторые приемы и мотивы живописи старых мастеров, осторожно внося в них элементы модернизма и символистской фантастики. Бродский привлекает зрителя своим особым поэтическим мироощущением. На рубеже веков мир, отражаясь в зеркале искусства, превращается в затейливый изысканный орнамент, причудливую декоративную комбинацию красок, объемов, орнаментов, ритмов.
Изощренная фантазия художника, болезненный душевный надлом уносят зрителя прочь от всего привычного и обыкновенного.
Те же образы, тот же взгляд на мир определил и искания поэтов Серебряного века. Поэтическое и изобразительное искусство впервые так сблизились и предстали цельным художественным явлением — явлением высокого духовного наполнения. В начале ХХ века художественная жизнь в России решительно переменилась. В искусстве начинают зарождаться новые тенденции, появляются новые творческие объединения, противопоставившие себя всем существующим на тот момент.
На сцену столетия выходит русский авангард. Его появление — свидетельство завершения определенного исторического этапа, ломки общественного сознания, низвержения авторитетов, крушения идей и идеалов. Разрушается привычное представление об искусстве как непосредственном отражении действительности. В картину вторгается формальный эксперимент. Как никогда агрессивно он подчиняет себе натуру, коренным образом перестраивая закон художественной формы. В году после выставки «Голубая роза» ее участники объединились в союз под тем же названием.
Уже само словосочетание «Голубая роза» указывало на некую парадоксальность и символистские устремления художников. Плоть зримого мира тает в картинах, его живописные видения, сотканные из образов-теней, почти ирреальны и обозначают едва уловимые движения души. Разбеленные оттенки цвета словно стремятся к слиянию в одно целое, мир представляется окутанным цветным туманом. Выставка «Бубновый валет» года положила начало другому, весьма скандальному направлению в русском искусстве.
Не удовлетворяясь созданием изысканных «очагов» красоты и тайны, авангард ввел в свои образы грубую материю жизни, «поэтику улицы», хаотическую ритмику современного города, природу, наделенную мощной созидательно-разрушительной силой.
Молодые мастера были склонны к эпатажу, так Роберт Фальк провоцирует публику уже одним названием своей картины — «Пейзаж со свиньями». Он использует некоторые приемы "вывесочного" примитива. В лубочной манере с добродушной усмешкой написаны цветные мазанки провинциальной улицы, фигура человека, стадо свиней. Все, что изображает Илья Машков, он превращает в яркую нарядную композицию. Его густые и плотные краски звучат с необыкновенной силой, а психологическая характеристика модели в «Женском портрете» заменяется эмоциональной, «живописной».
Машкову, набравшемуся жизненного опыта, работая в лавках у торговцев, «бубнововалетская» эстетика вывесок и городского наивного искусства особенно близка. Такое же наслаждение от разноцветности мира получает и Аристарх Лентулов в своем «Городском пейзаже», которому присущи экспрессивная звучность цвета и декоративность.
Художник писал угловатыми пятнами насыщенного цвета, добиваясь выразительности и свежести формы. Петр Кончаловский, один из основателей, а позднее и председатель «Бубнового валета», был создан для живописи, ощущал мир живописно — как пиршество красок — и едва ли не олицетворял собой само это искусство. У этого художника — особый способ динамизации изображения — использование активного, свободного мазка, подвижной кисти, которой он «лепит» свою модель.
Этот прием помогает создать образ энергичного и уверенного в себе человека в «Портрете адвоката Брауна». Триумф русского авангарда немыслим без участия женщин. Широкий диапазон их эстетических идей представлен двумя оригинальными, исключительно талантливыми работами, отразившими некоторые черты стилистической истории русского авангарда — от примитивов Натальи Гончаровой до живописных конструкций Любови Поповой.
Поддерживая идею культурного возрождения, «русские амазонки» отвергали то, что по их представлению было отжившими свой век эстетическими канонами.
Наталья Гончарова черпала вдохновение в русской иконе, народных лубочных картинках, в языческих идолах, каменных «бабах». Особенностью ее живописи был постоянный эксперимент и смена стилистических предпочтений. Как заметила Марина Цветаева, Наталья Гончарова работает «всегда, везде и во всех областях живописи».
Любовь Попова также не была удовлетворена пассивным отображением мира на холсте. Она заменяет это иллюзорно-реалистическое восприятие другим, приходит к почти полному отрицанию натуры, к самостоятельному ее интерпретированию, создавая новую действительность.
Ее процесс работы над картиной подобен строительству — Попова, в поисках гармонии целостного организма, ломает и распределяет формы, скрепляет разные части, вправляет их друг в друга. Нельзя переоценить силу и важность этого живописного эксперимента.
Русский авангард постоянно влекли «странные миры» новой науки и техники — из них он брал не только сюжетно-символические мотивы, но также многие конструкции и приемы. С другой стороны, в искусство все активнее входил примитив и фольклор. Мировому диалогу культур авангард придал невиданную остроту. Итальянская живопись представляет собой наиболее ценную часть собрания западноевропейского искусства. Основа коллекции — произведения, попавшие в музей из многочисленных национализированных имений Смоленской губернии.
Немало экспонатов поступило из Государственного музейного фонда и Государственного музея изобразительных искусств им. Пушкина в х годах. Гении Возрождения стремились к уравновешенной гармонии, ставшей со временем идеалом итальянской классики.
Ренессанс пронизан верой в творческие силы человека, в разумное устройство мироздания. Черты ренессансного понимания мира и человека определяют «Портрет ювелира».
Новозаветные сцены в изображении Лодовико Карраччи, Симоне Кантарини, Гвидо Рени полны внутренней сосредоточенности и тихого лиризма. Эти художники представляют Болонскую школу живописи — ярчайшее явление европейского искусства этого времени.
Деление на школы было следствием экономического и политического устройства Италии страна состояла из самостоятельных городов-государств. Экспозиция дает представление о разнообразии школ: венецианской, флорентийской, неаполитанской, римской, сиенской. Каждая отличалась своим отношением к колориту, светотеневой моделировке и проблемам перспективы. В XVII веке в итальянской живописи стал складываться стиль барокко.
На смену ренессансному чувству меры и ясности приходит искусство, построенное на контрастах, асимметрии, перегруженности декоративными мотивами. В целом, собрание итальянской живописи позволяет составить представление об основных особенностях изобразительного искусства этой страны.
Коллекция испанской живописи невелика, но ценность ее неоспорима в силу принадлежности произведений к Золотому веку испанского искусства, каким было XVIIстолетие.
Все четыре полотна отличаются особой выразительностью и высочайшим уровнем мастерства художников. Важным фактором формирования испанского искусства была идеология. В этот период в Испании действовало огромное количество монашеских орденов, имевших большую материальную и духовную власть.
Именно они выступали основными заказчиками произведений искусства. Особенно яркое воплощение художественные идеалы Испании нашли в творчестве одного из выдающихся реалистов Франсиско де Сурбарана. Художник создал целую галерею образов святых мучениц, к которым относится «Святая Юста». Облик святой предельно прост и сдержан, он покоряет совершенством пластической выразительности, силой и глубиной религиозного переживания. Такая живопись, столь близко граничащая с реальностью, позволила современникам говорить о том, что мало кто пишет религиозные композиции с таким благочестием, как Сурбаран.
Испанская аристократия оживает в двух портретах работы неизвестного художника. В них удачно соединились глубина жизненных наблюдений с тонким художественным вкусом и особым благородством стиля. Эти парадные образы отличаются подчеркнутым достоинством, величавостью и эмоциональной сдержанностью. Специфически испанский тип цветочного натюрморта, в котором простота и безыскусность композиционного решения органично сочетается с декоративной выразительностью колорита, создал Хуан де Арельяно.
Произведения этого мастера крайне редко встречаются в отечественных собраниях. Испанское искусство XVII века многопланово: в нем чистота и одухотворенность, мятежность и бесстрашие, глубина и прямодушие.
Эти черты завораживают до сих пор. Богатые области, объединенные под властью бургундских герцогов, первенствовали среди европейских стран в экономике и культуре. Рост городов и уклад городской жизни способствовали формированию нового отношения к повседневной деятельности. Обыденные жизненные явления окружались благоговейным почитанием и ореолом святости.
Нидерландские художники буквально обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа, копировали мельчайшие детали быта и во всем этом видели прекрасное. Во всех слоях общества усилилось стремление к украшению и опоэтизированию окружающего.
Продолжатели традиций итальянских мастеров умели вдумчиво и не торопясь созерцать окружающую среду, утверждая ценность обыденных предметов, простых вещей и явлений.
Коллекция нидерландской живописи эпохи Возрождения в собрании музея невелика, но содержит ряд интересных работ. Небольшая по размерам работа «Мадонна с младенцем» мастера школы Мемлинга конца XV века проникнута ясным гармоничным духом Возрождения, при этом одухотворенный облик Мадонны имеет черты земной женщины.
Руку северного художника выдает трогательная привязанность к миру вещей: остроконечные крыши дома, фигурка крестьянина, листва на деревьях — все выписано максимально конкретно. Для нидерландцев тема Марии и Младенца также важна, как и для итальянцев, но образ Богоматери на картинах неизвестных художников Северного Возрождения носит менее отвлеченный характер. Еще один пример живописи северного Возрождения — «Мадонна с младенцем» работы неизвестного нидерландского живописца XVI века.
Это традиционное изображение Девы Марии с младенцем Иисусом, держащим в руках щегленка — символ пролитой крови. Здесь явственно ощутима ориентация на произведения Леонардо да Винчи. Об этом говорят динамика изображения, лирическая одухотворенность образа Богородицы, моделировка фигур, утонченная манера письма. С тщательностью выписан натюрморт на первом плане — в этом выражено умение найти поэзию в повседневности.
В нидерландской живописи XVIвека сохранялся символизм мышления, идущий от готики и средневековой культуры. Так, символикой проникнут каждый предмет в работе «Святой Иероним в келье». Лицо святого, каждая деталь композиции напоминает о бренности бытия: череп и погасшая свеча на столе, часы, ножницы Иероним — один из самым популярных Отцов Церкви, покровитель ученых и студентов, образованнейший человек своего времени, сумевший перевести Святое Писание на латинский язык.
Художники Северного Возрождения переносят религиозную картину в реальный, привычный для человека XVIвека мир. Это может быть интерьер комнаты, как в изображении Яна Госсарта, или городской пейзаж, как в алтарных створках работы неизвестного художника.
Земли юга Нидерландов вошли в состав государства, получившего название Фландрии. К XVIIвеку окончательно разделилась на фламандскую и голландскую и единая нидерландская школа живописи. Фламандское искусство XVII века отличает жизнеутверждающий, полнокровный характер, достоверная передача вещественности, будь то фактура тканей или живая плоть. Основным заказчиком оставалась католическая церковь, а наиболее распространенным видом крупного живописного произведения была композиция, помещавшаяся над алтарем.
К подобному типу алтарной картины можно отнести работу «Поклонение волхвов» неизвестного фламандского художника. Картина пронизана любовью к жизни: Мадонна — цветущая земная женщина, похожая на простую фламандку.
Маленький Христос — здоровый, пухлый ребенок. В барочном понимании композиции, изображении здорового тела и дорогих тканей чувствуется влияние Рубенса. Распространению натюрморта способствовал интерес искусства к быту и частной жизни человека.
Одним из блестящих мастеров фламандского натюрморта являлся Гаспар Петер Вербрюгген, прекрасно изображавший цветы и плоды.
Натюрморт Вербрюггена отличается яркой декоративностью и иллюзорной точностью передачи натуры. Изображение различных цветов, красота и разнообразие их форм и расцветки занимали фламандцев XVII столетия не меньше, чем их символика. Среди поздних фламандских художников наиболее известным был Давид Тенирс Младший. Кисти Тенирса принадлежит и «Пейзаж с путниками». Подобные увлекательные жанровые картины были рассчитаны на украшение домов властвующих особ, буржуа, а зачастую и простых горожан.
Коллекция голландской живописи занимает особое место в собрании Смоленского государственного музея-заповедника. В ряду многочисленных произведений западноевропейского искусства — это самый цельный раздел. Он сформировался в е годы, а основу составили поступления из национализированных дворянских имений.
Десерт» Симона Эберта Люттихейса. Произведения мастеров Яна Асселейна «Зимний пейзаж», Яна Мейтенса «Портрет дамы в желтом платье» были переданы из Смоленского филиала Московского археологического института. Не менее ценными оказались поступления из отдела Изобразительного искусства Наркомпроса, а в е годы — из Государственного музея изящных искусств ныне ГМИИ им.
С XVII века прошло государственное и художественное разграничение, что побудило формирование двух национальных художественных школ, единых по происхождению, но разных по признакам: фламандская и голландская. В истории Голландии XVII век был временем мощного подъема экономической, политической и культурной жизни страны. В Голландской республике получили широкое распространение естественные и гуманитарные науки, литература и книгопечатание, но самым значительным и ярким из того, что было создано в «золотой век», была живопись.
В этой небольшой стране, добившейся после долгих войн с Испанией самостоятельности и независимости, искусство обрело прочную реалистическую основу. Здесь впервые в истории мирового искусства реальная действительность стала неисчерпаемым источником творческого вдохновения, начальной и конечной точкой художественного замысла. После освобождения северных нидерландских провинций из-под власти испанского короля и опеки католической церкви художники стали работать на широкий круг «потребителей».
Картины вошли в быт, став предметом обстановки бюргерских домов. В голландской живописи этого времени завершилось сложение разветвленной системы жанров, которое началось еще в эпоху Возрождения. Господствующими жанрами становятся портрет, пейзаж, натюрморт и бытовая картина. Главным заказчиком и ценителем искусства стал бюргер, для которого важнее всего были «правда жизни» и добротность исполнения.
Деловой человек в портрете работы Николаса Элиаса Пикеноя полон самоуверенности, достоинства и гордости. Держа в руке лимон, торговец фруктами намеренно указывает на род своих занятий. Художник основал огромную мастерскую и школу портретной живописи в Дельфте, где работал со своими сыновьями и многочисленными учениками. Результатом совместной работы стал «Женский портрет» , в котором сам Миревельт писал скорее всего лицо и руки, а ученики — одежду, аксессуары и фон.
Ни в одной другой стране бытовая живопись не занимала столь важного места в системе жанров, как в Голландии. Небольшие по размеру картины «малых голландцев» описывали все стороны жизни людей всех социальных слоев.
Композиции точно схватывают своеобразие определенного уклада жизни, его внешние приметы и колорит. Небывалый расцвет переживает жанр натюрморта, пройдя путь от скромных «завтраков» к роскошным «десертам». Натюрморт Симона Эберта Люттихейса относится к типичным произведениям зрелых лет художника, когда он в совершенстве владел всеми средствами художественной выразительности.
На бархатной скатерти небрежно расставлены дорогие предметы и разложены изысканные угощения — такое изобилие и роскошь были чертой всех голландских «десертов». Художники умело использовали приемы, которым научились у мастеров итальянской школы. Их картины с холмистыми ландшафтами, фигурами людей и животных, отличаются необыкновенно поэтичным, идеализированным восприятием природы.
Менее популярным в Голландии в силу конфессиональной принадлежности был религиозный жанр. В творчестве живописцев, испытавших влияние Рембрандта, религиозные сюжеты оставались ведущими темами, как, к примеру, в монументальном полотне с изображением Иоанна Богослова работы неизвестного художника. За годы музейного хранения произошли значительные изменения, связанные с атрибуцией экспонатов. Почти все произведения исследовались искусствоведами Москвы и Санкт-Петербурга, в числе которых М.
Либман, Ю. Важно понять, как художник использовал глубину, чтобы достичь такого интересного и удивительного эффекта. Часто композиция картины представляет собой идеальное поле для скрытых сообщений, на которые картина намекает благодаря продуманной архитектуре и почти математически точным рисункам. В данной работе изображены Богородица с младенцем, окруженная библейскими персонажами и человек, который заказал картину. Последний занимает значительное место в композиции, находясь на переднем крае преклонив колени в знак молитвы.
Чтобы создать желаемый эффект глубины эти персонажи помещены в очень точную архитектурную оправу и увенчаны нишей в форме раковины гребешка. Композиция этой картины представляет собой невероятно оригинальное сочетание архитектурных элементов.
Линейная перспектива создает точку схода, которая, как по волшебству, находится на лице Девы Марии. Вокруг нее выстраивается архитектурная композиция, включая расположение всех персонажей. Важно отметить, что все головы изображенных библейских персонажей находятся на одной горизонтальной линии и создают иллюзию вытянутых силуэтов за счет использования пилястр на заднем плане. Особое внимание уделяется яйцу, которое свисает с гребешка в форме раковины, и на самом деле оно представляет собой гусиное яйцо.
Яйцо почти идеально совпадает, как с головой Богородицы, так и с пупком ребенка.
Он представляет собой символ рождения в креационистских писаниях и религиозных текстах. Раковина гребешка, которая увенчивает архитектурную композицию, символизирует плодородие!
Поскольку в этом архитектурном проекте учитывалась божественная иерархия, он наверняка пронизан религиозными символами и коннотациями в связи с чем математические уровни точности имеют огромный смысл.
Картины представляют собой портреты в профиль, где каждый портрет искусно составлен из фруктов, овощей и растений, соответствующих разным временам года. Как правило, эти четыре картины демонстрируют в парах: лица Зимы и Осени, а также Лета и Весны обращены друг к другу. Однако мало кто знает, что за этими лицами скрывается более символическое послание.
Каждая из этих голов, составленных из фруктов и растений, отображает разные стадии зрелости одного человека. Так, Весна символизирует молодость, Лето - зрелость, Осень - зрелый возраст, а Зима - старость. Такое сравнение между человеком и природой и ходом времени было достаточно распространенной метафорой эпохи Возрождения! Таким образом, художник играет с различными формами растений, фруктов и овощей, чтобы создать узнаваемые, персонифицированные и довольно реалистичные лица.
Как зритель, мы должны внимательно наблюдать за каждым произведением, чтобы в полной мере понять скрытые сообщения, скрывающиеся за тем, что при беглом взгляде кажется не чем иным, как натюрмортом!
При эффективном использовании оптическая иллюзия на мгновение заставляет наблюдателя переосмыслить отношения между реальным миром, в котором он или она живет, и миром, изображенным в произведении.
Никто не понимал проникающую силу иллюзии лучше, чем голландский художник-график М. В своем завораживающе мета-рисовании «Рисующие руки» Эшер волшебно извлекает из схематичной поверхности работы замкнутую схему «рука-творит-творит-рука», которая, кажется, бросает вызов ограничениям двухмерного рисунка. Одержимый математикой повторяющихся закономерностей, работа Эшера вызывала восхищение ведущих современных ему физиков и философов.
В «Рисующих руках» графитовый кончик зеркального карандаша кажется тонким каналом, по которому существование художника одновременно вливается в бытие и растворяется в небытии. Пойманный в бесконечном вращении Эшера, глазу зрителя остается бегать вокруг себя.
Бизнес работает. Бизнесмены на фронте.
